Artistas de vanguardia

Francisco de Goya

(Francisco José de Goya y Lucientes; Fuendetodos, España, 1746 - Burdeos, Francia, 1828) Pintor y grabador español. Goya fue el artista europeo más importante de su tiempo y el que ejerció mayor influencia en la evolución posterior de la pintura, ya que sus últimas obras se consideran precursoras del impresionismo.

Periodos de Goya

Primer Periodo.-

• Periodo de alegría por la vida.
• Pintor de éxito.
• Trabaja en la real fábrica de tapices.
• Gana fama como retratista

Segundo período.-

•  Quedó sordo y esto le hace apartarse poco a poco del mundo.
• Por su sordera y el destierro que sufren sus amigos ilustrados al creer la monarquía que iba a penetrar en España la abolición del antiguo régimen, como habían hecho los revolucionarios en Francia, marcan un antes y un después en la pintura de Goya. Adoptará en adelante dos orientaciones antagónicas:

1. Las amaneradas y plácidas pinturas de encargo.
2. Pinturas en las que refleja las lacras sociales, como su propia personalidad atormentada.

Tercer período.-

• Los horrores de la guerra de la independencia española le atormentaron.
• En sus cuadros y grabados dibuja la brutalidad y critica la sinrazón de la guerra.
• Plasma en sus pinturas las acciones más heroicas de la insurrección de España contra el tirano de Europa.

Cuarto período.-

• Cansado de la vida y decepcionado de la sociedad, sus pinturas reflejan el pesimismo propio de un alma atormentada.
• Compra una finca a orillas del Manzanares (“la quinta del sordo”). Allí, de noche, a la luz de las velas, pinta un mundo de aquelarres, brujas, machos cabríos etc.
• Está muy presente el odio que intenta depurar a los afrancesados.

Biografía de pintores de las Vanguardias

Vincent Willem Van Gogh, nació en Zundert, Países Bajos; el 30 de marzo del año 1853. Hijo de un pastor protestante llamado Theodorus van Gogh y de Anna Cornelia Carbentus, de cuyo matrimonio nacieron 5 hijos. Cursó sus estudios hasta los 15 años en el Instituto Hannik Tilburg. Intentó hacerse teólogo en 1877, pero por no saber ni griego, ni latín, fue rechazado. Fue enviado a Bélgica como misionero a la región de Mons entre los mineros de Borinage. 

Sus primeras composiciones revelan sus experiencias como predicador, en la tosa y directa Los comedores de papas, siendo uno de los diez únicos grabados que hizo durante su carrera. Viajo a París en 1866, lugar donde empezó a vivir con su hermano Théo, quien era marchante de arte y fue allí, que comenzó a familiarizarse con las nuevas propuestas artísticas que se encontraban en auge. La influencia de Ando Hiroshige y Hokusai, entre otros, lo motivó a experimentar con las técnicas del momento. 

Tenía la ilusión de fundar un Taller del Mediodía, por esta razón en 1888 abandonó París y se mudó al sur de Francia, con la idea de entusiasmar a sus amigos para seguir su ideal. Se entregó por completo a la pintura, creando diversas obras y usando como inspiración el sol ardiente de la Provenza, dibujaba con tal pasión, transmitiendo todo su sentimiento en cada obra. Paul Gauguin fue uno de los artistas quien se dejó contagiar por su entusiasmo, una fusión artística impresionante pero que no duró mucho, a los dos meses la armonía se vino al suelo y comenzaron a tener fuertes enfrentamientos, a tal limite que Van Gogh se atrevió a amenazar con una navaja a Gauguin; víctima del remordimiento, Van Gogh esa misma noche se cortó la oreja. Estuvo hospitalizado en un manicomio y en ese mismo tiempo aprovecho para trabajar, pero preso de sus ataques de locura. 

Durante tres meses en Auvers fue atendido por un médico Paul Gachet, al cual le pinto un retrato en 1890. Las complicaciones en la salud de Van Gogh fueron muchas debido a la desnutrición y a la pobreza. A finales del siglo XIX, fue adicto a la caña de ajenjo, una bebida popular narcótica. Sufrió de sífilis, envenenamiento por plomo, epilepsia y síndrome de Meniere. En 1890 culmina su inquietante Cuervos sobre el trigal y fue el 27 de julio, de ese mismo año, cuando se dispara en el estómago un tiro, se fue arrastrando hasta su casa en Auvers, y a los dos días en los brazos de su hermano, muere finalmente.

Obra "Autorretrato con la oreja cortada y pipa "

Esta pintura corresponde a uno de los varios autorretratos del autor, pues el consideraba que esta era la forma más perfecta de capturar el alma y si a través del uso de un espejo podía reflejar su alma, tranquilamente podría usar la pintura para otras personas.

La pintura fue hecho tiempo después de cortarse la oreja; Utilizo el tabaco como adormecedor del dolor que le provocaba y viendo que esta era la forma de su alma, decidió pintarla.

Paul Cézzane Nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence, sur de Francia. Hijo de un banquero acaudalado, conoció en su infancia Émile Zola. A finales de los años cincuenta decide dedicarse a la pintura, aunque comienza estudios de Derecho para complacer a su padre.
En 1862 inicia sus estudios de arte en París. Asiste a la Académie Suisse para ejercitarse en el dibujo. Allí conoce a Guillaumin. Sus primeras obras las realizó con pigmentos espesos y en tonos oscuros. Desarrolló un estilo pictórico duro, denso, espeso, de fuertes pinceladas, que toma como modelo al italiano Caravaggio y al español Diego Velásquez. La influencia más significativa en sus comienzos fue la de Camille Pissarro, que le introdujo en la nueva técnica impresionista para conseguir los efectos de la luz natural. Bajo la tutela de Pissarro, en el periodo comprendido entre 1872 y 1873, pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural.
Los impresionistas le aceptaron dentro del grupo y expuso con ellos en 1874 y 1877. Su gran aportación a la pintura se realizó tras la disolución del grupo impresionista, cuando deriva hacia una pintura más intelectualizada. Durante la década de 1880 pasó gran parte tiempo en su Aix-en-Provence natal.
En 1886 creyó ver referencias a sus fracasos en una novela de Zola y rompió sus relaciones con él. Ese mismo año heredó la fortuna de su padre y consiguió la independencia económica, aunque permaneció en su aislamiento social. Siguió pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, y fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura. Se lamentaba de su fracaso en la representación de la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años, como Bañistas (c. 1899-c. 1906, Museo de Arte, Filadelfia), revelan unas distorsiones curiosas.
En el año 1895 Ambroise Vollard, marchante parisino, organizó una exposición de sus obras y las promocionó con gran éxito durante los años siguientes. Hacia 1904, alcanzó la consagración en uno de los grandes salones oficiales de pintura. Muchos pintores jóvenes viajaron hacia Aix-en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo en sus últimos años. Antes de su muerte, acaecida el 22 de octubre de 1906 en Aix, Paul Cézanne ya había logrado un prestigio considerable.

Obra "Las grandes bañistas"

Esta obra es la más extensa de todas las pinturas de autor, llegando a tener un tiempo de trabajo de 7 años.

Se considera esta obra como la precursora del cubismo, porque llego a inspirar a grandes artistas como Picasso, Moore, Braque, etc.

Henri Toulouse 

Nació en el seno de una familia aristocrática y tuvo una infancia y una adolescencia felices, dedicadas en buena medida a la práctica del deporte. En la actividad lúdica sufrió dos caídas graves que le atrofiaron los miembros inferiores y le impidieron alcanzar una estatura normal. Medía aproximadamente metro y medio de estatura y tenía una cabeza desproporcionadamente grande, lo cual le daba un aspecto deforme. Pero llevó su condición física con estoicismo y su deformidad no le impidió relacionarse y mantener una vida social normal.

Comenzó a dibujar en la infancia y posteriormente se formó en academias como las de León Bonnat y Fernand Cormon, donde conoció a Émile Bernard, Louis Anquetin y Vincent van Gogh, de quien hizo un excelente retrato (1887, Stedelijk Museum, Ámsterdam). En 1885 abrió un taller en Montmartre y desde entonces se dedicó a la creación pictórica, integrándose plenamente en el ambiente artístico parisino que en aquella época buscaba por diversos medios la superación del impresionismo. Hombre muy responsable de su trabajo, Henri de Toulouse-Lautrec acudía puntualmente al taller o al estudio todas las mañanas, lo cual no le impidió llevar una vida disoluta en el ambiente bohemio de Montmartre, donde frecuentó cafés cantantes, teatros, prostíbulos y salas de baile. Estos ambientes constituyen, de hecho, lo más peculiar de su creación artística, en la que las bailarinas de cancán y los personajes de circo son los protagonistas más entrañables.

Con Baile en el Moulin Rouge (1890, Mac Ilhenny, Filadelfia) comienza una serie de escenas de danza que constituyen el inicio de su período de madurez. La composición es una de las más ambiciosas y admirables del artista. La acentuada perspectiva del local es introducida por el personaje femenino del primer plano; en un segundo término se reserva un espacio vacío para la danza de Valentin le Déssossé y la Goulue; al fondo, los espectadores, entre los que encontramos personajes del círculo de Lautrec, como su padre, con larga barba blanca, y el fotógrafo Paul Sescau, que retrató excelentemente al pintor; en el último plano, los árboles tras la ventana.

Además de cuadros llenos de vivacidad y movimiento, Toulouse-Lautrec realizó innumerables apuntes y dibujos rápidos, así como unos treinta carteles publicitarios de cabarés y productos comerciales. Para los carteles, Toulouse-Lautrec creó un tipo de figura estilizada y adoptó unas tonalidades que ejercieron una influencia profunda y duradera en posteriores realizaciones de este tipo. La predisposición del artista a la síntesis y la acentuación de las formas permiten al espectador captar rápidamente el mensaje de los carteles, así como su eficaz estructura ornamental. En 1899, Toulouse-Lautrec fue internado en una clínica para seguir un tratamiento de desintoxicación etílica. Allí profundizó en el estudio de la luz artificial coloreada y en su estilo expresionista. A esta etapa final pertenece En el Rat mort (1900, Courtauld Institute Galleries, Londres), obra que retrata a Lucy Jourdain, amante de un famoso barón, en el reservado de un restaurante. Las creaciones de esta última época, tras una grave crisis de salud, están imbuidas de tintes sombríos; el artista falleció prematuramente a los treinta y seis años de edad.

Obra "Aristide Bruant dans son cabaret"

Aristide era una cantante, comediante y artista de cabaret de Montmartre, donde Lautrec comenzó a ver asiduamente sus interpretaciones. Ambos se hicieron amigos y en su honor, el artista francés decidió pintar un póster que le hiciera publicidad.

Se dice que las pinturas que Toulouse pintó de Aristide influenciaron "inconscientemente" a James Acheson y sus diseños de vestuario para Tom Baker, actor encargado de interpretar al cuarto Doctor Who.

Amedeo Clemente Modigliani Nació en una familia judía sefardí en la ciudad italiana de Livorno, en la Toscana. Se trataba de una ciudad portuaria que servía como refugio a aquellos perseguidos por su religión y contaba con una amplia comunidad judía. Fue el cuarto hijo de Flaminio Modigliani y Eugenia Garsin. Sus hermanos mayores eran Giuseppe Emmanuele, Margherita y Umberto. A los catorce años de edad, Amedeo ("Dedo", como lo llamaban en su familia) comenzó a asistir a clases de pintura con Guglielmo Micheli, un discípulo de Fattori, uno de los pintores del movimiento florentino conocido como los macchiaioli, un nombre que eligieron a partir de los ataques de algunos críticos que decían que pintaban con manchas ("macchie"). Poco después de comenzar sus estudios de pintura, Amedeo sufrió un ataque de fiebre tifoidea y dos años más tarde una tuberculosis. En 1898, su hermano de veintiséis años, Emmanuele, futuro diputado del Partido Socialista Italiano, fue condenado a seis meses de prisión por ser militante del movimiento anarquista. En 1906 se trasladó a París, que es por la época el centro de la vanguardia. En el Bateau-Lavoir, un falansterio para proletarios de Montmartre, conoce a Max Jacob, Van Dongen, Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Chaïm Soutine, Vicente Huidobro y otros personajes célebres. Influido en principio por Toulouse-Lautrec, Amedeo encuentra inspiración en Paul Cézanne, el cubismo y la época azul de Picasso. También es evidente la influencia que ejercen sobre él Gustav Klimt y las estampas del japonés Utamaro. Su rapidez de ejecución le hace famoso. Nunca retocaba sus cuadros, pero los que posaron para él decían que era como si hubiesen desnudado su alma. En 1909, se pasa un breve período en Livorno, enfermo y deteriorado en su salud por los excesos de su vida. Regresa a París y alquila un estudio en Montparnasse. Se considera a sí mismo más escultor que pintor, y siguió sobre esa vía cuando Paul Guillaume, un marchante joven y ambicioso le presenta a Constantin Brâncuşi. Descubre el arte africano y camboyano en el Musée de l'Homme de París. Sus estatuas se reconocen por los ojos almendrados, las bocas pequeñas, las narices torcidas y los cuellos alargados. Se presentó una serie en el Salón de Otoño de 1912, pero tuvo que dejar de esculpir porque el polvo le causaba problemas de salud. Retrató a los habituales de Montparnasse, como Soutine, Diego Rivera, Juan Gris, Max Jacob, Blaise Cendrars y Jean Cocteau. Al iniciarse la Primera Guerra Mundial, intenta alistarse, pero su precaria salud se lo impide. El 3 de diciembre de 1917 celebra su primera exposición, en la galería de Berthe Weill, pero horas después la autoridad la cierra por indecencia. Debido a sus problemas de salud, tiene que trasladarse a Niza con Hébuterne, que da a luz en 1919 a una hija a la que llamará Jeanne. Por sugerencia del marchante Guillaume, realiza una serie de desnudos (ahora sus obras más cotizadas), con la pretensión de venderlos a los millonarios que veranean en la Costa Azul, sin mayores éxitos.  En mayo de 1919, vuelve a París, a la calle de la Grande Chaumière. Su salud se deteriora con rapidez. Tras un largo período en el que sus vecinos no sabían nada de él y después de una noche de excesos y de haber peleado con unos vándalos en la calle, le encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de Jeanne embarazada casi de nueve meses. Lo único que puede hacer el médico es atestiguar que su estado es desesperado. Muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920. Unos días antes había pedido el permiso al gobierno francés para contraer matrimonio con Jeanne. Murió a los treinta y cinco años de edad de una meningitis ocasionada por la tuberculosis.

Obra "Desnudo acostado"

Es conocido por este tipo de desnudos en los cuales alagaba los rostros y la figura.

Sus pinturas no fueron bien aceptadas mientras el vivía,  pero fue postumamente reconocido y sus trabajos lograron precios muy altos.

Paul Gauguin Nació en parís, a los tres años sus padres emigran a Perú y durante el viaje muere su padre. Allí vivió junto a su madre cuatro años hasta que deciden regresar a Francia. Gauguin abandonó el colegio a los diecisiete años y se hizo marino mercante, el deseo de conocer otras tierras fue en él una constante. Cuando murió su madre en 1868, Gustave Arosa, un rico banquero, se convirtió en su protector legal. Gracias a él, Gauguin fue un agente de bolsa de éxito. Se casó con Mette Sophie, una joven danesa de familia acomodada, tuvieron cinco hijos y llevaron una confortable vida burguesa. Hacía poco que se había casado cuando se convirtió en pintor aficionado. Al mundo de la pintura también lo introdujo Arosa. Conoció a Pisarro y en 1879 expuso con los impresionistas, participando después en las cuatro últimas exposiciones del grupo. Coleccionó cuadros de Manet, Monet, Renoir y Degas, sus pintores favoritos eran Cézanne y Pisarro, de quienes sus primeras obras presentan claras influencias. Su carrera financiera quedó interrumpida en 1882 por la crisis bursátil y decide entregarse por completo a la pintura. Viéndose obligado a llevar una vida más modesta, se mudan a Copenhague, donde su esposa cuenta con el apoyo de su familia. Pero el fracaso es absoluto, ya que no encuentra clientes para sus cuadros. Al cabo de unos pocos meses, decide regresar a Francia en compañía de su hijo Clovis, mientras que su mujer se queda en Copenhague con los demás hijos. Este es el comienzo de una época llena de miserias y deudas. La penuria económica le hace abandonar París en 1886, refugiándose en Pont-Aven, un pueblecito de Bretaña, donde conoce al pintor Charles Laval. Deseoso de romper con todas sus fatalidades, Gauguin envía a su hijo a Dinamarca y emprende viaje a Panamá junto con su amigo. Esta es su primera incursión en el exotismo, pero una enfermedad le obliga a volver a París en 1887, donde conoce a Van Gogh. Juntos pasarán un tiempo en Arles, pero al no haber entendimiento entre ambos, Gauguin regresa a Bretaña. Contacta con Emile Bernard, quien le adentra en el Sintetismo, que supone un cambio radical con respecto al impresionismo. Le hace partícipe en el uso del color, apostando por las áreas planas sin matizar y remarcando los contornos. Lo que hay que pintar es la idea que elabora el pintor después de su experiencia, quitando lo superfluo y reteniendo la esencia. Así se consigue la síntesis de forma y color. Gauguin sin dinero, después de vender su colección de pinturas impresionistas y cada vez más forzado por la necesidad de ganarse la vida ya que apenas vende sus obras, decide en 1891 irse a Tahití. Gauguin decía: "sólo quiero crear un arte sencillo. Para ello necesito empaparme de una naturaleza virgen, no ver nada más que salvajes". El resto de su vida lo pasó en Tahití y en las islas Marquesas, a excepción de una visita a Francia. Se evade de la sociedad de su época para encontrar en un entorno y entre gentes no corrompidas por el progreso, las condiciones de autenticidad e ingenuidad primitiva en las que puede florecer su pintura. Su exploración de la naturaleza y de las gentes de lejanos países no es una vuelta al exotismo romántico. Gauguin se alejó de la cultura de Occidente y procuró integrarse en la vida local. Se familiarizaría con los indígenas e incluso tomó como compañera a una de ellas, se habituó a sus costumbres y se esforzó por comprender su religión. En el plano artístico, se basó en los elementos del folclore de la isla, observando las cosas que veía e intentando ir más allá de ellas. Su paleta se enriqueció con colores puros y cálidos creando un vocabulario personal y un estilo lleno de simbolismo, cobrando gran fuerza expresiva. La luz pierde importancia a favor de la exaltación del color, principio en que se basa años después el fauvismo. La fascinación de sus cuadros radica en las amplias zonas de colores y en sus figuras grandes, contorneadas de manera nítida. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras y la sensación de plano es igual que en las pinturas japonesas. Pero incluso aquí, las cosas no le fueron fáciles y Gauguin acabó desesperado, enfermo, alcohólico y solo, hasta que en 1903 muere.

Obra "La visión después del sermón"

El trazo de los objetos y los personajes los aísla entre sí. Utiliza colores vivos, nada realistas, simplifica los volúmenes y suprime las sombras y las gradaciones de color para crear una atmósfera ilusoria, donde a un grupo de mujeres, tras escuchar el sermón, se les aparecen Jacop y el ángel.

Bibliografía

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