Artistas de vanguardia

Francisco de Goya

(Francisco José de Goya y Lucientes; Fuendetodos, España, 1746 - Burdeos, Francia, 1828) Pintor y grabador español. Goya fue el artista europeo más importante de su tiempo y el que ejerció mayor influencia en la evolución posterior de la pintura, ya que sus últimas obras se consideran precursoras del impresionismo.

Periodos de Goya

Primer Periodo.-

• Periodo de alegría por la vida.
• Pintor de éxito.
• Trabaja en la real fábrica de tapices.
• Gana fama como retratista

Segundo período.-

•  Quedó sordo y esto le hace apartarse poco a poco del mundo.
• Por su sordera y el destierro que sufren sus amigos ilustrados al creer la monarquía que iba a penetrar en España la abolición del antiguo régimen, como habían hecho los revolucionarios en Francia, marcan un antes y un después en la pintura de Goya. Adoptará en adelante dos orientaciones antagónicas:

1. Las amaneradas y plácidas pinturas de encargo.
2. Pinturas en las que refleja las lacras sociales, como su propia personalidad atormentada.

Tercer período.-

• Los horrores de la guerra de la independencia española le atormentaron.
• En sus cuadros y grabados dibuja la brutalidad y critica la sinrazón de la guerra.
• Plasma en sus pinturas las acciones más heroicas de la insurrección de España contra el tirano de Europa.

Cuarto período.-

• Cansado de la vida y decepcionado de la sociedad, sus pinturas reflejan el pesimismo propio de un alma atormentada.
• Compra una finca a orillas del Manzanares (“la quinta del sordo”). Allí, de noche, a la luz de las velas, pinta un mundo de aquelarres, brujas, machos cabríos etc.
• Está muy presente el odio que intenta depurar a los afrancesados.

Biografía de pintores de las Vanguardias

Vincent Willem Van Gogh, nació en Zundert, Países Bajos; el 30 de marzo del año 1853. Hijo de un pastor protestante llamado Theodorus van Gogh y de Anna Cornelia Carbentus, de cuyo matrimonio nacieron 5 hijos. Cursó sus estudios hasta los 15 años en el Instituto Hannik Tilburg. Intentó hacerse teólogo en 1877, pero por no saber ni griego, ni latín, fue rechazado. Fue enviado a Bélgica como misionero a la región de Mons entre los mineros de Borinage. 

Sus primeras composiciones revelan sus experiencias como predicador, en la tosa y directa Los comedores de papas, siendo uno de los diez únicos grabados que hizo durante su carrera. Viajo a París en 1866, lugar donde empezó a vivir con su hermano Théo, quien era marchante de arte y fue allí, que comenzó a familiarizarse con las nuevas propuestas artísticas que se encontraban en auge. La influencia de Ando Hiroshige y Hokusai, entre otros, lo motivó a experimentar con las técnicas del momento. 

Tenía la ilusión de fundar un Taller del Mediodía, por esta razón en 1888 abandonó París y se mudó al sur de Francia, con la idea de entusiasmar a sus amigos para seguir su ideal. Se entregó por completo a la pintura, creando diversas obras y usando como inspiración el sol ardiente de la Provenza, dibujaba con tal pasión, transmitiendo todo su sentimiento en cada obra. Paul Gauguin fue uno de los artistas quien se dejó contagiar por su entusiasmo, una fusión artística impresionante pero que no duró mucho, a los dos meses la armonía se vino al suelo y comenzaron a tener fuertes enfrentamientos, a tal limite que Van Gogh se atrevió a amenazar con una navaja a Gauguin; víctima del remordimiento, Van Gogh esa misma noche se cortó la oreja. Estuvo hospitalizado en un manicomio y en ese mismo tiempo aprovecho para trabajar, pero preso de sus ataques de locura. 

Durante tres meses en Auvers fue atendido por un médico Paul Gachet, al cual le pinto un retrato en 1890. Las complicaciones en la salud de Van Gogh fueron muchas debido a la desnutrición y a la pobreza. A finales del siglo XIX, fue adicto a la caña de ajenjo, una bebida popular narcótica. Sufrió de sífilis, envenenamiento por plomo, epilepsia y síndrome de Meniere. En 1890 culmina su inquietante Cuervos sobre el trigal y fue el 27 de julio, de ese mismo año, cuando se dispara en el estómago un tiro, se fue arrastrando hasta su casa en Auvers, y a los dos días en los brazos de su hermano, muere finalmente.

Obra "Autorretrato con la oreja cortada y pipa "

Esta pintura corresponde a uno de los varios autorretratos del autor, pues el consideraba que esta era la forma más perfecta de capturar el alma y si a través del uso de un espejo podía reflejar su alma, tranquilamente podría usar la pintura para otras personas.

La pintura fue hecho tiempo después de cortarse la oreja; Utilizo el tabaco como adormecedor del dolor que le provocaba y viendo que esta era la forma de su alma, decidió pintarla.

Paul Cézzane Nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence, sur de Francia. Hijo de un banquero acaudalado, conoció en su infancia Émile Zola. A finales de los años cincuenta decide dedicarse a la pintura, aunque comienza estudios de Derecho para complacer a su padre.
En 1862 inicia sus estudios de arte en París. Asiste a la Académie Suisse para ejercitarse en el dibujo. Allí conoce a Guillaumin. Sus primeras obras las realizó con pigmentos espesos y en tonos oscuros. Desarrolló un estilo pictórico duro, denso, espeso, de fuertes pinceladas, que toma como modelo al italiano Caravaggio y al español Diego Velásquez. La influencia más significativa en sus comienzos fue la de Camille Pissarro, que le introdujo en la nueva técnica impresionista para conseguir los efectos de la luz natural. Bajo la tutela de Pissarro, en el periodo comprendido entre 1872 y 1873, pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural.
Los impresionistas le aceptaron dentro del grupo y expuso con ellos en 1874 y 1877. Su gran aportación a la pintura se realizó tras la disolución del grupo impresionista, cuando deriva hacia una pintura más intelectualizada. Durante la década de 1880 pasó gran parte tiempo en su Aix-en-Provence natal.
En 1886 creyó ver referencias a sus fracasos en una novela de Zola y rompió sus relaciones con él. Ese mismo año heredó la fortuna de su padre y consiguió la independencia económica, aunque permaneció en su aislamiento social. Siguió pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, y fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura. Se lamentaba de su fracaso en la representación de la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años, como Bañistas (c. 1899-c. 1906, Museo de Arte, Filadelfia), revelan unas distorsiones curiosas.
En el año 1895 Ambroise Vollard, marchante parisino, organizó una exposición de sus obras y las promocionó con gran éxito durante los años siguientes. Hacia 1904, alcanzó la consagración en uno de los grandes salones oficiales de pintura. Muchos pintores jóvenes viajaron hacia Aix-en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo en sus últimos años. Antes de su muerte, acaecida el 22 de octubre de 1906 en Aix, Paul Cézanne ya había logrado un prestigio considerable.

Obra "Las grandes bañistas"

Esta obra es la más extensa de todas las pinturas de autor, llegando a tener un tiempo de trabajo de 7 años.

Se considera esta obra como la precursora del cubismo, porque llego a inspirar a grandes artistas como Picasso, Moore, Braque, etc.

Henri Toulouse 

Nació en el seno de una familia aristocrática y tuvo una infancia y una adolescencia felices, dedicadas en buena medida a la práctica del deporte. En la actividad lúdica sufrió dos caídas graves que le atrofiaron los miembros inferiores y le impidieron alcanzar una estatura normal. Medía aproximadamente metro y medio de estatura y tenía una cabeza desproporcionadamente grande, lo cual le daba un aspecto deforme. Pero llevó su condición física con estoicismo y su deformidad no le impidió relacionarse y mantener una vida social normal.

Comenzó a dibujar en la infancia y posteriormente se formó en academias como las de León Bonnat y Fernand Cormon, donde conoció a Émile Bernard, Louis Anquetin y Vincent van Gogh, de quien hizo un excelente retrato (1887, Stedelijk Museum, Ámsterdam). En 1885 abrió un taller en Montmartre y desde entonces se dedicó a la creación pictórica, integrándose plenamente en el ambiente artístico parisino que en aquella época buscaba por diversos medios la superación del impresionismo. Hombre muy responsable de su trabajo, Henri de Toulouse-Lautrec acudía puntualmente al taller o al estudio todas las mañanas, lo cual no le impidió llevar una vida disoluta en el ambiente bohemio de Montmartre, donde frecuentó cafés cantantes, teatros, prostíbulos y salas de baile. Estos ambientes constituyen, de hecho, lo más peculiar de su creación artística, en la que las bailarinas de cancán y los personajes de circo son los protagonistas más entrañables.

Con Baile en el Moulin Rouge (1890, Mac Ilhenny, Filadelfia) comienza una serie de escenas de danza que constituyen el inicio de su período de madurez. La composición es una de las más ambiciosas y admirables del artista. La acentuada perspectiva del local es introducida por el personaje femenino del primer plano; en un segundo término se reserva un espacio vacío para la danza de Valentin le Déssossé y la Goulue; al fondo, los espectadores, entre los que encontramos personajes del círculo de Lautrec, como su padre, con larga barba blanca, y el fotógrafo Paul Sescau, que retrató excelentemente al pintor; en el último plano, los árboles tras la ventana.

Además de cuadros llenos de vivacidad y movimiento, Toulouse-Lautrec realizó innumerables apuntes y dibujos rápidos, así como unos treinta carteles publicitarios de cabarés y productos comerciales. Para los carteles, Toulouse-Lautrec creó un tipo de figura estilizada y adoptó unas tonalidades que ejercieron una influencia profunda y duradera en posteriores realizaciones de este tipo. La predisposición del artista a la síntesis y la acentuación de las formas permiten al espectador captar rápidamente el mensaje de los carteles, así como su eficaz estructura ornamental. En 1899, Toulouse-Lautrec fue internado en una clínica para seguir un tratamiento de desintoxicación etílica. Allí profundizó en el estudio de la luz artificial coloreada y en su estilo expresionista. A esta etapa final pertenece En el Rat mort (1900, Courtauld Institute Galleries, Londres), obra que retrata a Lucy Jourdain, amante de un famoso barón, en el reservado de un restaurante. Las creaciones de esta última época, tras una grave crisis de salud, están imbuidas de tintes sombríos; el artista falleció prematuramente a los treinta y seis años de edad.

Obra "Aristide Bruant dans son cabaret"

Aristide era una cantante, comediante y artista de cabaret de Montmartre, donde Lautrec comenzó a ver asiduamente sus interpretaciones. Ambos se hicieron amigos y en su honor, el artista francés decidió pintar un póster que le hiciera publicidad.

Se dice que las pinturas que Toulouse pintó de Aristide influenciaron "inconscientemente" a James Acheson y sus diseños de vestuario para Tom Baker, actor encargado de interpretar al cuarto Doctor Who.

Amedeo Clemente Modigliani Nació en una familia judía sefardí en la ciudad italiana de Livorno, en la Toscana. Se trataba de una ciudad portuaria que servía como refugio a aquellos perseguidos por su religión y contaba con una amplia comunidad judía. Fue el cuarto hijo de Flaminio Modigliani y Eugenia Garsin. Sus hermanos mayores eran Giuseppe Emmanuele, Margherita y Umberto. A los catorce años de edad, Amedeo ("Dedo", como lo llamaban en su familia) comenzó a asistir a clases de pintura con Guglielmo Micheli, un discípulo de Fattori, uno de los pintores del movimiento florentino conocido como los macchiaioli, un nombre que eligieron a partir de los ataques de algunos críticos que decían que pintaban con manchas ("macchie"). Poco después de comenzar sus estudios de pintura, Amedeo sufrió un ataque de fiebre tifoidea y dos años más tarde una tuberculosis. En 1898, su hermano de veintiséis años, Emmanuele, futuro diputado del Partido Socialista Italiano, fue condenado a seis meses de prisión por ser militante del movimiento anarquista. En 1906 se trasladó a París, que es por la época el centro de la vanguardia. En el Bateau-Lavoir, un falansterio para proletarios de Montmartre, conoce a Max Jacob, Van Dongen, Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Chaïm Soutine, Vicente Huidobro y otros personajes célebres. Influido en principio por Toulouse-Lautrec, Amedeo encuentra inspiración en Paul Cézanne, el cubismo y la época azul de Picasso. También es evidente la influencia que ejercen sobre él Gustav Klimt y las estampas del japonés Utamaro. Su rapidez de ejecución le hace famoso. Nunca retocaba sus cuadros, pero los que posaron para él decían que era como si hubiesen desnudado su alma. En 1909, se pasa un breve período en Livorno, enfermo y deteriorado en su salud por los excesos de su vida. Regresa a París y alquila un estudio en Montparnasse. Se considera a sí mismo más escultor que pintor, y siguió sobre esa vía cuando Paul Guillaume, un marchante joven y ambicioso le presenta a Constantin Brâncuşi. Descubre el arte africano y camboyano en el Musée de l'Homme de París. Sus estatuas se reconocen por los ojos almendrados, las bocas pequeñas, las narices torcidas y los cuellos alargados. Se presentó una serie en el Salón de Otoño de 1912, pero tuvo que dejar de esculpir porque el polvo le causaba problemas de salud. Retrató a los habituales de Montparnasse, como Soutine, Diego Rivera, Juan Gris, Max Jacob, Blaise Cendrars y Jean Cocteau. Al iniciarse la Primera Guerra Mundial, intenta alistarse, pero su precaria salud se lo impide. El 3 de diciembre de 1917 celebra su primera exposición, en la galería de Berthe Weill, pero horas después la autoridad la cierra por indecencia. Debido a sus problemas de salud, tiene que trasladarse a Niza con Hébuterne, que da a luz en 1919 a una hija a la que llamará Jeanne. Por sugerencia del marchante Guillaume, realiza una serie de desnudos (ahora sus obras más cotizadas), con la pretensión de venderlos a los millonarios que veranean en la Costa Azul, sin mayores éxitos.  En mayo de 1919, vuelve a París, a la calle de la Grande Chaumière. Su salud se deteriora con rapidez. Tras un largo período en el que sus vecinos no sabían nada de él y después de una noche de excesos y de haber peleado con unos vándalos en la calle, le encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de Jeanne embarazada casi de nueve meses. Lo único que puede hacer el médico es atestiguar que su estado es desesperado. Muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920. Unos días antes había pedido el permiso al gobierno francés para contraer matrimonio con Jeanne. Murió a los treinta y cinco años de edad de una meningitis ocasionada por la tuberculosis.

Obra "Desnudo acostado"

Es conocido por este tipo de desnudos en los cuales alagaba los rostros y la figura.

Sus pinturas no fueron bien aceptadas mientras el vivía,  pero fue postumamente reconocido y sus trabajos lograron precios muy altos.

Paul Gauguin Nació en parís, a los tres años sus padres emigran a Perú y durante el viaje muere su padre. Allí vivió junto a su madre cuatro años hasta que deciden regresar a Francia. Gauguin abandonó el colegio a los diecisiete años y se hizo marino mercante, el deseo de conocer otras tierras fue en él una constante. Cuando murió su madre en 1868, Gustave Arosa, un rico banquero, se convirtió en su protector legal. Gracias a él, Gauguin fue un agente de bolsa de éxito. Se casó con Mette Sophie, una joven danesa de familia acomodada, tuvieron cinco hijos y llevaron una confortable vida burguesa. Hacía poco que se había casado cuando se convirtió en pintor aficionado. Al mundo de la pintura también lo introdujo Arosa. Conoció a Pisarro y en 1879 expuso con los impresionistas, participando después en las cuatro últimas exposiciones del grupo. Coleccionó cuadros de Manet, Monet, Renoir y Degas, sus pintores favoritos eran Cézanne y Pisarro, de quienes sus primeras obras presentan claras influencias. Su carrera financiera quedó interrumpida en 1882 por la crisis bursátil y decide entregarse por completo a la pintura. Viéndose obligado a llevar una vida más modesta, se mudan a Copenhague, donde su esposa cuenta con el apoyo de su familia. Pero el fracaso es absoluto, ya que no encuentra clientes para sus cuadros. Al cabo de unos pocos meses, decide regresar a Francia en compañía de su hijo Clovis, mientras que su mujer se queda en Copenhague con los demás hijos. Este es el comienzo de una época llena de miserias y deudas. La penuria económica le hace abandonar París en 1886, refugiándose en Pont-Aven, un pueblecito de Bretaña, donde conoce al pintor Charles Laval. Deseoso de romper con todas sus fatalidades, Gauguin envía a su hijo a Dinamarca y emprende viaje a Panamá junto con su amigo. Esta es su primera incursión en el exotismo, pero una enfermedad le obliga a volver a París en 1887, donde conoce a Van Gogh. Juntos pasarán un tiempo en Arles, pero al no haber entendimiento entre ambos, Gauguin regresa a Bretaña. Contacta con Emile Bernard, quien le adentra en el Sintetismo, que supone un cambio radical con respecto al impresionismo. Le hace partícipe en el uso del color, apostando por las áreas planas sin matizar y remarcando los contornos. Lo que hay que pintar es la idea que elabora el pintor después de su experiencia, quitando lo superfluo y reteniendo la esencia. Así se consigue la síntesis de forma y color. Gauguin sin dinero, después de vender su colección de pinturas impresionistas y cada vez más forzado por la necesidad de ganarse la vida ya que apenas vende sus obras, decide en 1891 irse a Tahití. Gauguin decía: "sólo quiero crear un arte sencillo. Para ello necesito empaparme de una naturaleza virgen, no ver nada más que salvajes". El resto de su vida lo pasó en Tahití y en las islas Marquesas, a excepción de una visita a Francia. Se evade de la sociedad de su época para encontrar en un entorno y entre gentes no corrompidas por el progreso, las condiciones de autenticidad e ingenuidad primitiva en las que puede florecer su pintura. Su exploración de la naturaleza y de las gentes de lejanos países no es una vuelta al exotismo romántico. Gauguin se alejó de la cultura de Occidente y procuró integrarse en la vida local. Se familiarizaría con los indígenas e incluso tomó como compañera a una de ellas, se habituó a sus costumbres y se esforzó por comprender su religión. En el plano artístico, se basó en los elementos del folclore de la isla, observando las cosas que veía e intentando ir más allá de ellas. Su paleta se enriqueció con colores puros y cálidos creando un vocabulario personal y un estilo lleno de simbolismo, cobrando gran fuerza expresiva. La luz pierde importancia a favor de la exaltación del color, principio en que se basa años después el fauvismo. La fascinación de sus cuadros radica en las amplias zonas de colores y en sus figuras grandes, contorneadas de manera nítida. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras y la sensación de plano es igual que en las pinturas japonesas. Pero incluso aquí, las cosas no le fueron fáciles y Gauguin acabó desesperado, enfermo, alcohólico y solo, hasta que en 1903 muere.

Obra "La visión después del sermón"

El trazo de los objetos y los personajes los aísla entre sí. Utiliza colores vivos, nada realistas, simplifica los volúmenes y suprime las sombras y las gradaciones de color para crear una atmósfera ilusoria, donde a un grupo de mujeres, tras escuchar el sermón, se les aparecen Jacop y el ángel.

Bibliografía

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Vikingos, Taj Mahal, El Nombre de la Rosa

Vikingos

Origen:

Los vikingos eran descendientes de los pueblos germánicos que comenzaron a desplazarse hasta la región europea hace 4.000 años. Se asentaron en Escandinavia, una región que incluye Dinamarca, Noruega y Suecia. A finales del siglo VIII d.C. su población estaba creciendo rápidamente y puede que no hubiera suficientes tierras de calidad en sus territorios como para mantenerla. Quizá por esa razón se dedicaron al saqueo, pero también es probable que muchos vikingos jóvenes vieran en ello un modo rápido y fácil de conseguir riqueza y honores.

Arquitectura:

Muchas otras culturas adoptaron el diseño de los típicos barcos vikingos, conocidos como drakkar o barcos largos. Estas naves tuvieron una gran influencia en la construcción de barcos durante varios siglos después. Lo normal era juntar varias planchas de madera de roble una sobre otra, fijándolas con clavos y cubriéndolas con capas de lana empapada en brea o incluso pieles de animales.

El secreto de estas rápidas naves era su cuerpo largo y estrecho, que se mantenía estable gracias a la quilla. Diseñadas para navegar de forma rápida y fácil en aguas poco profundas, su ligereza permitía transportarlas de un lugar a otro. El casco de los drakkar o barcos largos terminaba en dos extremos prácticamente iguales, permitiendo avanzar en sentido contrario sin necesidad de dar media vuelta. Esta era una ventaja considerable en unos mares que escondían una gran cantidad de hielo e icebergs.

Estas embarcaciones tenían remos casi a lo largo de todo el casco. Versiones posteriores incluso combinaban la potencia de los remos con la navegación a vela.

Características:

• Se cree que el papel de las mujeres era más relevante en la sociedad vikinga que en muchas otras regiones de Europa. La mujer tenía normalmente derecho a divorciarse y, si su marido fallecía, ella era la heredera y la que conservaba sus pertenencias. Las leyes protegían a las mujeres, hasta cierto punto, de posibles abusos sexuales. Además, eran respetadas como las responsables de las granjas cuando sus maridos estaban fuera, algo que podía prolongarse durante bastante tiempo.
• La mayoría de los vikingos eran hombres libres y muchos de ellos campesinos, que cultivaban cereales, fruta y verduras, además de criar reses, cerdos, ovejas y cabras. Los mercaderes creaban asentamientos cerca de la costa, tanto en Escandinavia como cuando viajaban.
• Los vikingos creían en un gran número de dioses. El más importante de ellos era Odín. Era el rey de todos los dioses escandinavos y se creía que vivía en un lugar llamado Asgard, la casa de los dioses. Era el dios de la guerra y la muerte, además de inspiración para los feroces guerreros vikingos conocidos como bersekers, que se juntaban para generar juntos una frenética rabia antes de lanzarse al combate desprovistos de armadura. El hijo mayor y más poderoso de Odín era Thor, de barba pelirroja, el dios del trueno, los rayos y el viento. Era el dios vikingo más popular debido a su supuesto poder sobre el clima, que tenía un importante efecto en la vida diaria de las personas. En inglés el jueves, «Thursday», se llama así en honor de Thor, mientras que el viernes, «Friday», recibe su nombre de Frigg, su madre. A finales del siglo X el contacto con los cristianos europeos había terminado con la mayoría de las creencias escandinavas. En torno al año 960, el rey Haroldo Dienteazul se había convertido al cristianismo y los colonos de Islandia no tardaron en votar a favor de hacer lo mismo.

Taj Mahal

Historia:

La historia del Taj Mahal se remonta a 1631, año en el que empezó su construcción en Agra, La India, y se alargaría hasta 1654. Considerado como palacio por muchos, el Taj Mahal fue en su origen un mausoleo construido por el emperador musulmán Shah Jahan en honor a la que fue su tercera esposa, Mumtaz Mahal, después de que esta falleciera en el parto de su decimocuarto hijo. Por todos era sabido que la joven era su esposa favorita, por lo que el emperador decidió honrarla con este monumental mausoleo.

Arquitectura:

La construcción del Taj Mahal estuvo a cargo de 20.000 obreros y se sitúa en una ubicación privilegiada en una curvatura del río Yamuna.

El Taj Mahal se construyó con los mejores materiales empleando el mármol blanco que se tuvo que transportar hasta la zona a lomos de elefantes. También incluyó piedras preciosas como zafiro, amatistas, cuarzo e incluso diamantes. Se estima que el coste total de la construcción del Taj Mahal fue de cincuenta millones de rupias, lo que equivaldría, teniendo en cuenta también el cambio de precio del mármol de una a otra época, a unos 500 millones de dólares.

En cuánto a quién construyó el Taj Mahal o quién fue el arquitecto que proyectó este espectacular mausoleo, solo existen rumores. La leyenda dice que el emperador mandó asesinar a la esposa del arquitecto para que este sintiera el mismo dolor que sintió él y supiera expresarlo con su obra. Sin embargo, sí se tiene noción de quién construyó el Taj Mahal pensando en este como distintas piezas que encajan en un todo. Así encontramos que la cúpula principal corrió a cargo del otomano Ismail Kahn, el mejor en su época en el dominio y construcción de las cúpulas. También se sabe que el palacio contó con mosaicos a cargo de artistas de Nueva Delhi, las esculturas por arquitectos del actual Uzbekistán y decenas de expertos en caligrafía de Siria y Persia. En total se contó con 37 principales artesanos que dirigieron el trabajo de los 20.000 hombres antes mencionados.

El Nombre de la Rosa

Umberto Eco

Breve Biografía del autor:

Umberto Eco nació en Alessandria (Piamonte) en 1932. Fue profesor en las universidades de Turín, Florencia y Milan. Impartió clases de semiótica en la Universidad de Bolonia. Entre sus ensayos destacan "Obra abierta", "Apocalípticos e Integrados", "La estructura ausente", y "Tratado de semiótica". En 1988 publicó su segunda novela, "El péndulo de Foucault". En 1981 recibio por "El nombre de la rosa" los premios Strega y Médicis.

Resumen:

En el contexto de la crisis de las investiduras entre el sacro Imperio Romano Germánico y los Estados Pontificios, estas dos facciones planteaban establecer un pacto con el que resolver el problema, cada facción envía un mensajero a una abadía benedictina para organizar el diálogo. Con la mala suerte de que en esta empiezan a suceder distintos asesinatos hacia miembros de su orden.

El fray Guillermo de Baskerville y su alumno y acompañante Adso de Melk, en el camino a la abdia se encuentran a un caballo, donde gracias a la capacidad deductiva del Fray Guillermo,  descubre su nombre y que es buscado por los miembros seculares del edificio, los dos tenían la misión de preparar el diálogo, sin embargo fueron los primeros enviados diplomáticos en llegar, por lo cual son informados de la muerte de un joven novicio en extrañas circunstancias, ya que al parecer se habría tirado de una torre hacia el precipicio; La abadía era una construcción maravillosa que se encontraba encima de una cumbre con grandes precipicios. 

El abad conociendo las habilidades de Fray Guillermo, pide su ayuda para descifrar el misterio que envuelve a esta muerte, entonces pone manos a la obra e investiga varios lugares entre ellos: la iglesia, el taller de Herbolaria, el Scriptorium. Lugares donde conoce a varios personajes, entre ellos: Severino el herbolario, Nikola el maestro vidriero, Malaquias el bibliotecario, Ubertino el ciego y varios novicios que conocieron al difunto. Una vez instalados y después de haber recorrido gran parte de la Abadia proceden a dormir, sin esperarse que al día siguiente las paredes de aquel sacro lugar, se verían envueltas tras otro horrible asesinato, el cual es informado mientras que estaban en oficios santos. Dados estos acontecimientos, alumno y maestro empiezan a dar una segundo inspección a todo en cuanto habían observado, llegando a escuchar extraños relatos por parte de Bencio (un novicio). Ademas de tener una conversación sobre la legitimidad de la risa con el ciego.

Al parecer existían fuerzas contrapuestas que no querían que la verdad salga a la luz, pues los lentes de Guillermo son robados y pierden un extraño libro que habían encontrado en sus anteriores búsquedas. Por la noche, entran a la parte más recóndita de la biblioteca, en la cual pierden la orientación por su estructura laberíntica. Indagan entre los aposentos del desaparecido y encuentran un pañuelo de sangre, esto no hace mas, que aumentar sus sospechas.

A la mañana siguiente se separan y Adso entabla una conversación con Salvatore en la que ve que éste había sido un hereje antes de llegar a la abadía. Este día Adso tiene una larga conversación con el fraile Ubertino donde le cuenta largas historias sobre el fraile Dulcino, un fraile que pensaba que como Cristo era pobre había que matar a todos los ricos. Esa noche Adso encuentra una muchacha aldeana en la cocina, se sorprende, pero al verse solos hacen el amor y disfrutan de sus cuerpos y cuando todo esto termina la muchacha escapa corriendo , Adso descubre horrorizado un gran corazón sangrante, envuelto en paños de tela enrollada que se había dejado la muchacha. Era un corazón de animal. Al rato aparece Guillermo y Adso le confiesa lo que había pasado y éste le absuelve de pecado. Luego averiguan que pueden encontrar a Berengario en los baños y cuando van hacia allí encuentran el cuerpo ahogado en una bañera.

A la mañana siguiente, Guillermo y Severino, analizan el cuerpo de Berengario y descubren que, tanto las yemas de los dedos y la lengua los tienen negros, al igual que le ocurrió a Venancio, y empiezan a sospechar que alguien robó un veneno, hace ya años, y que lo pudiera utilizar para envenenar a los monjes. En ese momento sospechan de los más cercanos a la biblioteca, pero no están seguros.

En el quinto día se llevo a cabo la junta entre los franciscanos y los hombres del papa que no fue nada razonable y termino en una gran discusión. Entre esta reunión Severino manda a llamar a Guillermo, a causa de un libro que encontró entre sus cosas. Luego de terminar la reunión, al pasar un rato, les llega la noticia de que encontraron a severino muerto en el Herbolario.

El séptimo día  Guillermo y Adso consiguen la entrada al «finis africae» en donde se encuentra Jorge, el que les revela todo lo que sucedía en la Abadía, ya que este hombre era conocedor de todo. Guillermo le interroga y este le muestra el libro que tanto buscaban, Jorge les comenta que algunos se matan entre otros y algunos mueren envenenados al tocar el libro con los dedos húmedos con la lengua, las paginas de este «libro maldito». discuten un poco sobre los franciscanos y una vez mas sobre el tema de la risa. Jorge le afirma que todavía tenia que haber otra muerte mas y era la de el y comenzó a comerse las hojas del libro envenenado, Guillermo al tratar de impedirlo, Jorge apago la lampara y logro huir, Adso y Guillermo al final lograron conseguir la lampara, la encendieron y fueron a buscar a Jorge, el cual antes de ser atrapado, lanzo la lampara hacia unos libros y comenzaron a arder. Adso corre por ayuda, pero este incendio fue imparable.

Bibliografía

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La Eneida

La Eneida

Virgilio

La Eneida es una narración que cuenta el origen de la dinastía Romana. Cabe recalcar que según la tradición, el mito de Romulo y Remo sucede varios años después de la eneida, y cuenta la fundación de la ciudad de Roma por Romulo.

A continuación la narración :

Civilización Griega

Artes Griegas

Comúnmente se considera a Grecia como la cuna de la civilización occidental, pues fueron los pioneros de varias disciplinas y su influencia se mantiene viva hasta nuestros días. En la siguiente investigación abordaremos el origen, características y representaciones de la danza y la música griega.

La Danza Griega

Origen Mítico.-  En el mito de Teseo se menciona que cuando el héroe retorno a su patria tras haber derrotado al mino tauro, este comenzó a imitar los movimientos de una serpiente en honor a todo lo que se había enfrentado y así se dio origen a las primeras danzas.

Origen Histórico.- Las primeras danzas en la cultura griega se remontan a la era clásica, y se presupone que surgieron en Tebas. Al principio la finalidad de estas danzas estaban enfocadas hacia los ámbitos políticos y religiosos, pero conforme fueron avanzando culturalmente se transformo en la forma de expresar los sentimientos de la vida cotidiana y también en forma de festejos hacia diversos dioses.

Características.- 

• Los bailarines se dividían según sus estamentos sociales. Los que danzaban para la diversión de los grandes señores solían provenir de la esclavitud, mientras los jóvenes libres, hijos de ciudadanos, participaban en las fiestas religiosas. No obstante, la danza de divertimento se fue dignificando y hacia el s. V la practicaban indistintamente esclavos y ciudadanos libres.
• Los griegos desarrollaron una estética y una técnica de la danza y gustaban de re presentarla pues, dejando de lado la danza cretense.
• A pesar de las diferentes regiones de donde surgen los distintos bailes, existe mucha similitud en todos ellos, como la forma en que se agarran las manos, la manera en que mantienen su cuerpo derecho, la formación de los bailes y los objetos que se utilizan.
• La danza, como espectáculo y en sus diferentes modalidades, nacieron a la par que la literatura, del teatro y de la lírica.
• Existen muchos mitos, que dieron origen a diversas formas de baile en ciertas ceremonias, entre estos tenemos: las bellas danzas de Andrómeda, el baile del laberinto o Geranos, la danza realizada por Aquiles frente a Patroclo, las danzas a Dionisio, etc.

Representaciones.-
Entre las danzas Griegas se encuentran:

• Las danzas Pírricas  eran el baile militar por excelencia y se practicaba en toda Grecia, pero principalmente en Esparta.
• La danza Geranos era bailada en el mes de julio por muchachos y muchachas intercala dos que evolucionaban rítmica mente y ondulada mente alrededor del altar de Afrodita.

Entre las danzas griegas modernizadas se encuentran:

• La Demótika está integrada por danzas rurales como el kalamatianó, la danza nacional griega.
• La Rembétika, se originó cuando los griegos que emigraron a Turquía regresaron a Grecia tras ser expulsados después de la guerra.
• El Hasápiko fue la danza de la ‘Asociación de Carniceros de Constantinopolitano' durante el periodo bizantino, aunque luego se la conoció como Makelarikos (carnicero).
• Tsestos es la Danza procedente de la frontera con Bulgaria. Fue adoptada por los griegos expulsados de Bulgaria tras la primera guerra mundial.
• Baidoushka, Ballos, Sousta del Dodecaneso, Karagouna, Lerikos, Pentozali, Tsamiko. Estos fueron algunas más de las danzas que se combinaban con variados ritmos musicales.

En la extensa historia Griega hubo más de 200 danzas religiosas, atléticas, dramáticas y populares que eran ejecutadas en el teatro, en el estadio y en el templo.

Música Griega

Origen.-Se empezó probablemente a escribir música entre el siglo V y el IV a. C., mediante un sistema alfabético que distinguía las notaciones vocales de las instrumentales, pero la composición y la transmisión siguieron siendo todo orales.

Características.- La función de la música en la sociedad de la Antigua Grecia estaba de cierto modo vinculada a su mitología: Anfión aprendió la música de Hermes, y luego construyó Tebas usando una lira de oro con la que podía colocar las piedras en su lugar tan sólo con el sonido que emitía. Orfeo, el maestro de música, tocaba su lira con tal maestría que podía hacer dormir a las bestias, y el mito de la creación del orfismo mostraba la génesis a través de una narración en el que Rea tocaba un tambor, llamando la atención de los hombres sobre los oráculos de la diosa. ​ También encontramos a Hermes mostrando a Apolo su lira recién inventada con el caparazón de una tortuga, ​ o las propias victorias musicales de Apolo sobre Marsias y Pan.

En Grecia la música estaba considerada como un medio eficaz para la educación moral de los ciudadanos. En Atenas formaba parte de la instrucción primaria, junto con la escritura, y en Esparta los jóvenes recibían formación musical porque la cadencia rítmica de los coros se consideraba preparatoria para la disciplina en los movimientos de los batallones.

Representaciones.- 

Periodo clásico

Eleusis inv. 907 (señal de trompeta)

Dionisio de Halicarnaso, Comp. 63 f.

Papyrus Viena G 2315 (Eurípides, Orestes)

Papyrus Leiden inv. P. 510 (Eurípides, Ifigenia en Áulide)

Periodo helenístico

Papyrus Ashm. inv. 89B/31, 33

Papyrus Ashm. inv. 89B/29-32 (citharodic nomes)

Papyrus Hibeh 231

Papyrus Zeno 59533

Papyrus Viena G 29825 a/b recto

Papyrus Viena G 29825 a/b verso

Papyrus Viena G 29825 c

Papyrus Viena G 29825 d-f

Papyrus Viena G 13763/1494

Papyrus Berlín 6870

Epidaurus, SEG 30. 390 (Himno a Asclepio)

El Canon Griego

Etimología.

El canon, palabra que proviene del griego Χανων, regla,​ es un concepto que institucionaliza, fija normas en un contexto cultural que se extienden al conductas y acciones​; además, se refiere a las proporciones perfectas o ideales del cuerpo humano y se refiere a las relaciones armónicas entre las distintas partes de una figura.

Definición.

En el pensamiento y en el arte griego está muy presente el interés por lo ideal, por la perfección y la belleza. Su cultura era antropocéntrica y para ellos la representación de la figura humana debía seguir unas reglas de proporción y armonía. Pusieron todo su interés en establecer unas reglas matemáticas en las relaciones entre las diferentes partes del cuerpo humano. A este conjunto de proporciones ideales se llama canon (kanon).

Origen.

Antes de adentrarnos en analizar el canon griego por excelencia, debes saber que los griegos conocían el canon egipcio, que los griegos viajaban y establecían relaciones de comercio con muchos lugares del planeta, entre ellos Egipto. La influencia de estos lugares y conocimientos fueron la base para desarrollar sus propias obras.
Fue en el s. V a. C. cuando la civilización griega vivió su período de máximo esplendor. Se buscaba, a través de la racionalización, la belleza y la armonía frente al simbolismo egipcio; la sensación de vida terrenal frente a la idea de vida eterna.

Polignoto y Mirón fueron dos grandes escultores del s. V a. C. cuyas obras, conectan la Grecia arcaica con la clásica, y son precedentes de las obras de Fidias y Policleto, los dos geniales escultores del periodo clásico. Posteriormente, en el s IV a. C. Praxiteles, Escopas y Lisipo fueron seguidores de la manera clásica aunque aportaron nuevas características propias a sus esculturas.

La unidad de medida de referencia era la altura de la cabeza. Policleto estableció el canon de siete cabezas como modelo de un cuerpo perfectamente proporcionado. Más tarde creó otro canon más esbelto que el anterior aumentándolo a siete cabezas y media.

Preguntas de las Guerras Médicas

¿Qué fueron las guerras Medas?

Las guerras médicas, también llamadas guerras medas, fueron una serie de conflictos ocurridos desde el 490 a. C al 449 a. C entre el Imperio Persa y los pueblos griegos por los deseos de conquista de territorios de la Antigua Grecia.

¿En que periodo Griego ocurrieron las Guerras con el imperio Aqueménida de Jerjes I ?

Tras la derrota de Darío I en la primera guerra médica, Jerjes reinicia las contiendas desde el 480 a. C. al 478 a. C., que coincide con el periodo Clásico Griego.

¿Qué paso después de las guerras Medas?

• El predominio económico y militar que Atenas obtuvo en las guerras médicas provocaría, años más tarde, la guerra del Peloponeso.
• Atenas se convirtió en la ciudad más poderosa de la antigua Grecia.
• La obligación a los persas de desistir su interés de conquista hacia los pueblos griegos.
• La prohibición a los persas de navegar por el mar Egeo, que ahora era exclusivamente griego.
• Comienza la decadencia del imperio persa.

Análisis de las nubes de Aristófanes

La obra de Aristófanes posee un sentido del humor muy agradable, que logre representar de manera cómica la actitud pensativa y reflexiva de Sócrates, mientras se mantiene bajo la tesis acerca del pensamiento filosófico y su necesidad de ser enriquecido.

Al final de la obra se puede ver como los pensamientos de Sócrates que son considerados amenazantes para la sociedad ateniense de ese entonces, lo llevan a perder su casa en un incendio provocado por el padre de Filípides.

Edipo Rey

Sófocles

A continuación el audio relato de este mito:

Bibliografía

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